El Gobierno de la Provincia de Corrientes, a través del Instituto de Cultura de Corrientes, realizó el lanzamiento de ArteCo en Buenos Aires junto a la Fundación Proa. Fue el martes 25 de abril en el Museo de Arte Latinoamericano.
De izq. a der: Natalia Albanese, Larisa Andreani, Gustavo Piñero, Abel Guaglianone, Gabriel Romero, Eleonora Jaureguiberry y Joaquín Rodríguez
La continuidad de una política pública y un espíritu federal que busca acercar las provincias a ArteCo 2023 llevó su presentación a Buenos Aires. El año pasado fue en el Museo de Arte Moderno Eduardo Sívori. Este año la cita fue en el MalBa. «Estamos contentos de hacerlo en un lugar tan prestigioso para el arte. Es importante para nosotros mostrar el arte que se produce en las provincias de Argentina”, destacó el arquitecto Gabriel Romero, presidente del Instituto de Cultura.
“ArteCo se posiciona como la vidriera para los artistas de Corrientes y la región. Con la realización de la Feria en Buenos Aires se busca atraer a compradores, coleccionistas y prensa especializada. Es también la oportunidad de visibilizar el arte de Corrientes y de la región”, agregó.
Asistieron funcionarios, artistas y coleccionistas que nos permiten potenciar el arte contemporáneo de nuestro país.
Tambien El Canal T5, canal Satelital del litoral argentino, me entrevistó durante el lanzamiento en el Museo de Arte Latinoamericano (Malba).
La programación ampliada de la feria cuenta con la curaduría general Gustavo Piñero quien practica la escucha y la percepción para interpretar también una cultura donde el legado intangible está presente. En tanto el espacio editorial es curado por Lucas Mercado, el Festival de Arte Sonoro por Julia Rossetti, el programa de Becas Artistas Visuales de Corrientes por Fernanda Toccalino y el espacio de video y Festival Play – videoarte y cine experimental por Maia Navas. También en el marco de esta feria se podrá apreciar parte del a muestra Laberintos de Proa de la mano del curador Julio Sánchez.
El objetivo de esta edición es fomentar el crecimiento del sector en la circulación y la comercialización de las obras de arte de la región, de hecho esta edición cuenta con más de cinco proyectos nuevos locales. Propiciamos el encuentro y la participación mutua y colectiva de los artistas con las galerías y de los artistas asociados entre sí.
Artistas, escritores, galeristas se encuentran con un público variado. Articula artistas plásticos con el mercado, algo que de a poco empieza a consolidarse en nuestro país, impulsado por el Estado.
Arte Co es una feria que continuamente hackea lo normativo, porque tiene una identidad muy propia, con payé, con vínculos enraizados en instituciones y en la comunidad artística local y paraguaya. Los artistas correntinos dialogan con el paisaje, tienen mucho vínculo con las poéticas de la cercanía natural, sobre todo con el cauce del río Paraná. La geografía tiene mucha potencia. Para ArteCo el territorio es cualquier lugar a ser experimentado.
“En Corrientes se pueden encontrar con la exuberancia del paisaje, con la riqueza del patrimonio arquitectónico y con el patrimonio intangible de la humanidad como el chamamé. Creemos que todo eso está atravesado en las obras de los artistas. Una de esas experiencias que dan cuenta de esto es «Yaguá Rincón» donde articularon lo contemporáneo con la religiosidad popular, el paisaje y el ser correntino.»
Esta 5ta edición de ArteCo 2023 tendrá un circuito importante de exposiciones que van desde la Ex Usina Eléctrica como punto central, el Museo Provincial de Bellas Artes, el Centro Cultural Universitario, el futuro Museo del Carnaval y la Legislatura de la Provincia. Será en la Ciudad de Corrientes del 18 al 21 de mayo.
Instalación durante la 4° Edición de ArteCo.
En esta 5° Edición de ArteCo además de los artistas de Corrientes sumamos a los artistas de Chaco, Formosa y Jujuy, todos ellos junto a las galerías más importantes del Paraguay.
Les recomiendo tener oportunidad de ir a la feria, porque es accesible para todo público y ayuda a visualizar la producción de un modo más fácil que lo que puede ser en un museo. Se presentarán multiplicidad de propuestas, con la posibilidad de comprar obras.
Querido lector a continuación compartiré una serie de anotaciones sobre un recorrido por espacios de artes visuales en Asunción. Deseo pedir disculpas de antemano por la prosa desordenada; está atravesada por el anhelo de concretar este viaje que la pandemia truncó más de una vez. También, seguramente por falta de datos que usted (lector informado) complementará mejor sobre la escena local. A pesar de todo esto, le invito a esta lectura.
Me presento, pues muchos de ustedes no me conocen. Me llamo Natalia Albanese, nací en la Patagonia, estudié en Córdoba y desde hace casi 20 años me dedico a la gestión de arte contemporáneo. Estudié comunicación, letras, hice teatro y danza. Ahora estoy terminando de cursar un doctorado en artes y mi tesis es sobre coleccionismo. Confieso, que hasta hace menos de tres años, sabía poco sobre el arte de Paraguay. Leí a Ticio Escobar y a Adriana Almada. Me topé con las obras de Osvaldo Salerno, Claudia Casarino y Félix Toranzos. Pero, no mucho más. Mi trabajo en ArteCO (Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes) me acercó a ASGAPA y desde allí, en constantes diálogos con la Comisión Directiva empecé a dimensionar más sobre el asunto.
Día 1: El azul francia del Museo del Barro Con la valija aún en el auto, lo primero que pisé fue la cafetería del Museo del Barro. Ahí presencié el azul francia que en tantas fotos vi. Al atardecer y casi en soledad, pudimos recorrer el museo y sentir paso a paso la reinvindicación de otra museografía a la canónica, la mirada atenta y contemporánea a las expresiones culturales de la región. Recorrer, perderme entre los recovecos y pasillos entre la Fundación Migliorisi, el Museo de Arte Indígena. Perderme, recorrer y explorar los lindes con la antropología, el arte religioso, lo pagano…
Día 2: Maratón galerístico Al día siguiente, junto con Laura González, presidenta de ASGAPA hicimos el maratón galerístico. A continuación mis apuntes de algunas obras y experiencias que me llamaron la atención. Las obras de Patricia Ayala que vi en Expresiones, esas mujeres mulatas vestidas de colores alegres y con curvas exuberantes me recordaron a las esculturas de la artista francesa Niki de Saint Phalle. En Martha Manchini, tuve la oportunidad de apreciar parte del corpus de obra que dejó Lucio Aquino. Me llamó la atención su trazo tan suave como firme y su anticipada búsqueda sobre y desde la corporalidad. La ocasión permitió, escuchar sobre el Premio FARO organizado en los 2000 por Martha pero más también conocer su recorrido por el país difundiendo las artes visuales en pequeños pueblos. Imagino el camión con las obras, los talleres, las inauguraciones en cada lugar y me invade la admiración por tal hazaña. En lo de Pablo Ávila pude conocer más la obra de Roberto Noguer. Luego, en Fábrica, volví al azul francia. Contemplé la trastienda – que aunque está un poco desordenada – … es de los tesoros artísticos más importantes que vi en Asunción.
En Exaedro, la instalación de Antonella Fernández con elementos del Mercado 4 y sus acuarelas, me dieron un aire fresco. No pude intercambiar mucho con ella, pero percibí de su trabajo la tenacidad y constancia de esos artistas que llegarán lejos. Continuamos llegamos hasta la galería de Verónica Torres. Nunca había ido a una galería de arte en un Shopping … tenía mucha intriga cómo sería. Allí estaban la serie de Toranzos, los objetos escultóricos eran muy interesantes, pero esos papeles, a mano alzada, me atrajeron tantísimo. En Matices, pude dimensionar más acabadamente la magnitud de la obra de Miglorisi, reírme, cuestionarme y también contemplar. Luego llegamos a Casa Mayor, y en ella a la sala dedicada a Feliciano Centurión: un fragmento de un jardín, una frazada bordada, y la frase: CORAZÓN TIBIO, ¿habrá el imaginado alguna vez el reconocimiento que tendría su obra? No solo en las instituciones prestigiosas que cobijan alguna de sus piezas, sino en el hilo que cada artista luego usó para bordar. Es una pregunta que reverbera todavía en estos días. En Arte Actual, me llamó la atención la obra de Oz Montania, me interpela cuando artistas que intervienen en el espacio público encuentran un lenguaje también en una galería. Agotadas, seguimos hasta Artística, noté los cambios en la disposición del espacio y celebré la exposición de Krasniansky de casi 100 obras, con lo que me quedaba de energía, la recorrí poco a poco.
Día 3: Centro asunceno y el Gabinete Luego de un almuerzo de trabajo con todas las galerías que forman parte de la Asociación, corrí a conocer Espacio E. Interrumpí un ensayo de Bosquejo, una cita del artista Gustavo Benitez intercambiamos breves frases con Edith Correa. La casa inmensa en el centro de Asunción apoderada por varias disciplinas artísticas llamó mi atención. Luego conocí MultiArte y conversamos amorosamente con Liliana Segovia sobre el valor de las galoperas dentro del arte.
Luego pasé por el Gabinete de la Colección Mendonca. Posiblemente, en Asunción haya muchos otros coleccionistas, como compradores y amantes del arte. Sin embargo, me detengo en esta colección porque a partir de ella se puede hacer una triple lectura. Primero en lo que respecta a conservación del patrimonio contemporáneo, este lote da cuenta de un recorte muy interesante: una cantidad significativa de obras de los artistas nodales de la escena que captan distintos momentos de producción. En segundo lugar, el rescate de artistas mujeres (casi que la colección cuenta con una paridad) y un tercer aspecto, este acervo da cuenta que su impulsor cuenta con un conocimiento profundo de la producción artística contemporánea del Paraguay. Dentro de las obras exhibidas, está la obra Fragmentos de trastornos del sueño (2011) de Claudia Casarino, artista que admiro profundamente por la densidad de su trabajo y su constante aporte a la construcción del arte latinoamericano desde la periferia. Me pregunto ¿Qué pasará dentro de 30, 40 o 50 años cuando alguien se pregunte qué les preocupaba a los artistas paraguayos de nuestro tiempo? Pues bien, en el Gabinete hay una respuesta, tan incompleta como precisa, tan inacabada como contundente.
Día 4: Mercado 4 En esta edición de ArteCO, su director artístico Gustavo Piñero decidió proyectar el documental Abrazo Íntimo / Al Natural, de la realizadora Mon Ross sobre la obra del artista Feliciano Centurión y que el coleccionista Gustavo Bruzzone hiciera la presentación del mismo. El momento fue épico, estábamos en una vieja Usina que llevaba 30 años cerrada, nos habíamos vuelto a reencontrar con decenas de colegas y esa imagen quedó vibrando en mi cabeza. En un momento del film, los protagonistas recorren el Mercado 4 y desde entonces supe que al viajar a Asunción haría lo propio. Iría en la búsqueda de los elementos cotidianos que forman parte de la obra de Centurión. Sandra Dinnendahl, artista y curadora hizo el circuito y la experiencia fue fundamental para comprender la mirada artística del Paraguay. También durante este recorrido pude conversar con ella sobre el actual proceso de creación que junto con tres artistas – Nico Electrica, @hazelrrbts, Jonatan Fernández – inaugurará el próximo 8 de octubre en Fuga. La exposición llevará el nombre de Bajo dentro sobre RutaPY02. Sandra – o también conocida con su seudónimo artístico Esedele – me introdujo en las búsquedas artísticas que el proceso de creación está atravesando: pensando en que la Ruta Nacional PY02 exhibe culturas materiales y estéticas características que provienen de numerosas expresiones espontáneas de comercio, religiosidad y cultura.
A lo largo de su extensión, desde el Panteón de los Héroes en Asunción hasta el Puente de la Amistad en Ciudad del Este, hay nichos, santuarios y oratorios. Alrededor de ciudades y pueblos incrementan los puestos de venta de tereré, mate, poha ñana, mosto, carbón zarandeado, miel de abeja, queso, maní y numerosas chiperías. La mayoría son construcciones informales y perecederas, edificadas temporalmente para “aprovechar” el tráfico constante de automóviles. Los carteles que destacan la mercadería están hechos y pintados a mano. La presente duplicación de la Ruta ha evidenciado la caducidad de estas construcciones. Tanto puestos de madera como nichos han sido tumbados para ampliar la carretera. La transitoriedad de la Ruta es una cualidad que se ha transferido a edificaciones que colindan con ella. La exposición tendrá instalación, objetos, audiovisuales, sonoros dará cuenta de la experiencia de transitar y habitar esta ruta. Me faltó conocer las dos Fugas, pero luego de una Conferencia que di, cenamos con Betiana Brizuela y Hugo Cataldo Barudi, celebré ese momento y sus rebeldías.
Perdóneme, apreciado lector. Sé que me faltó mucho más. Así que será hasta la próxima.
Es una exposición que se embebe de la clorofila de la vegetación del monte paranense atravesada por la escala cromática de luces y pigmentos para recrear nuevos mundos posibles. En este trabajo, Juan Jiant (Martín Coronado- Provincia de Buenos Aires, 1994) nos introduce a su universo onírico que se entremezcla con la contaminación urbana y la maleza para dar paso a una atmósfera llena de criaturas amorfas, aguijones volumétricos que se despliegan por el espacio de la salas. Éstos seres invitan al espectador a vivir las dualidades que se ponen en juego en cada pieza: realidad y ficción; naturaleza versus urbanidad; flow o obsesión; analogía & virtualidad.
Al igual que cómo ocurre con los haikus (poemas japoneses formados por tres estrofas) en donde el poeta trata de expresar de forma sinética lo que acontece en un instante; las obras de Jiant nos hablan de las contradicciones de la vida cotidiana urbana a través de la creación de sus compostajes cromáticos.
La camelia en el suelo
ha vaciado de ayer
el aguacero
Yosa Busón
A su vez, Maleza croma busca que nos detengamos a reflexionar de un modo lúdico sobre el impacto de la presencia humana en entornos naturales. En este sentido los haikus unen elementos aparentemente irrelevantes para situarnos en los movimientos de la naturaleza y sus símbolos. En ambos casos, hay una lectura poética del mundo natural y un gesto para resguardarlo.
En esta propuesta expositiva, Juan explora -de modo casi obsesivo- los lenguajes y texturas pictóricas, escultóricas y digitales: salta de un render al trabajo manual en resina con tanta facilidad que las dimensiones analógico-digital son el linde y la materialidad de sus obras. Así, las piezas expuestas en esta oportunidad, permiten que Jiant experimente con las transformaciones morfológicas de organismos biológicos y el impacto que se genera en los ecosistemas tras el paso de la presencia humana. Las esculturas corporizan como juglares visuales su preocupación por cómo el ser humano padece, habita y se relaciona con la naturaleza y su modo destructivo de vincularse.
El frío otoñal raspa apenas la piel de la cara, los primeros almendros del Parque del Retiro están en flor y el sol filtra a través de su luminosidad con la misma intensidad que frío, el resultado es casi glorioso la sensación a invierno en pleno febrero. La semana del arte en Madrid que se palpita recibiendo a que cientos de agentes del arte que recuperaron su cita en la feria de la ciudad más mediterránea de España.
Balance ARCOmadrid 2022
Desde el 23 al 27 de febrero IFEMA MADRID recibió a 185 galerías de 30 países. Durante su desarrollo, se desató la tan temida guerra entre Rusia y Ucrania y solo la reina Letizia dio la bienvenida el pasado jueves. También, recibimos la triste noticia del fallecimiento del maestro Antonio Seguí. Se entregaron premios de los cuales dos se van para casa y varias adquisiciones de artistas latinoamericanos se incorporan en importantes colecciones. Una feria dominada por la pintura con poca diversidad de formatos. Con ventas tímidas al comienzo de la edición que se concretaron durante el fin de semana. ARCO finaliza una edición positiva.
Nos reencontramos después de 530 años
Así, saludo La Chola a la Reina de España quien recorrió el stand de Pasto y se informó acerca de la obra de la artista y su trayectoria.
Ambiente general
Según Maribel López Zambrana, directora de la feria: Las galerías han hecho un hecho un esfuerzo único, pese a las circunstancias todas han tomado altos riesgos en la presentación de los stand y eso ha tenido sus resultados. Las ventas se han distribuido. Hemos tenido muy buenas resultados del networking durante los días de público profesional y una respuesta masiva – siempre con los cuidados pertinentes – del público en general.
Con los pasillos más anchos lo que permitió una perspectiva más general de la feria, la edición 40 + 1 de ARCO contó un la predominancia del lenguaje pictórico en las propuestas de las galerías de la sección general, con poca diversidad de otros formatos: como la escultura, la performance o el videoarte. Haciendo un ejercicio de síntesis podríamos destacar:
La obra Sin título (2021) de Peter Zimmermann (1956, Alemania) de la Galería Filomena Soares hecha de resina epoxy sobre tela se asemeja a un cuerpo escultórico en el lenguaje pictórico.
La obra Sin titulo (2020) de acrílico sobre lienzo de Katharina Grosse (1961, Alemania) la Galería Nächst St. Stephan Rosemarie Schrarzwälder (Viena) es un ejercicio pictórico en busca de la tridimensionalidad de la pintura.
La obra Olea de Solimán López en la galería Baro (Mallorca, Lisboa, San Pablo)) una escultura móvil que contiene en su interior el aceite de oliva creado por el artista, en cuya composición ha incorporado moléculas de ADN producidas artificialmente que responden a los datos de la criptomoneda OLEA .La obra de Sonia Navarro en la galería T20 (Murcia) por cómo trabaja el textil y la manera en que a partir de la abstracción del trazo se crean figuras que nos remiten a las corporalidades.
La obra del artista francés Xavier Veilhan La femme Nue en la consagrada galería Perrotin en su composición y configuración de la figura femenina remite a la armonía y a la paz, que en este momento tanto estamos necesitando.
También se destacó la instalación lumínica del artista danés Olafur Eliasson que consitía en focos de colores, dirigidos a una pared blanca. Se dispusieron en línea en el suelo: una luz verde colocada junto a otra luz verde, seguida de una luz magenta, una luz naranja y una luz azul. Estos colores se combinan para iluminar la pared con una luz blanca brillante. Cuando el visitante ingresa al espacio, la sombra proyectada, al bloquear cada luz de color desde un ángulo ligeramente diferente, aparece en la pared como una serie de siluetas de diferentes colores.
Frescura latinoamericana
Por otro lado, con la intención de continuar explorando formas de colaboración entre artistas y galerías se incorpora la sección Nunca lo mismo. Arte Latinoamericano, formada por una selección de 9 artistas latinoamericanos de 8 galerías internacionales que, comisariada por Mariano Mayer y Manuela Moscoso, contribuirá a reforzar el posicionamiento latinoamericano de la feria a través de galerías de diferentes países. Una oportunidad para profundizar en la obra de artistas como Rodrigo Arteaga – AFA Galería; Sol Calero -Chert Lüdde-; Jonathas de Andrade -Continua-; Alberto Casari y Santiago Yahuarcani –Crisis-; Santiago García Sáenz –Hache-; Mauricio Poblete –Pasto-; Jimena Croceri-Piedras Galería-, y Eduardo Navarro – Proyectos Ultravioleta.
Se destacaron. La obra de Wynnie Mynerva en la sección Opening, su mural imponente en la apertura de la sección joven hablando de las corporalidades y que generó mucha polémica entre la prensa y crítica local española
La obra de La Chola de PASTO, es una artista multidisciplinar que realiza performances, foto-performances, video-arte, fotografía, pintura, dibujo y objetos. Su trabajo aborda los dilemas de su herencia mestiza, se vuelven visibles las tensiones inherentes a la población indígena, donde conviven la explotación laboral, la marginación social, pero también su exotización estética y su circulación comercial.
La propuesta de Rodrigo Arteaga artista chileno en la galería AFA, sus piezas parten de la pregunta acerca de la relación entre naturaleza y cultura; particularmente relaciones complejas de extractivismo, de excesiva industrialización de la naturaleza como en el caso de los monocultivos de vinos y eucaliptos. Quemo siluetas de estas especies manualmente y se llenan de un vacío que las conectan con los incendios forestales, con el impacto que generamos también en los ecosistemas.
Marta Palau en waldengally. La artista es una pionera en reinventar la escultura a través de sus textiles y desarrollar un lenguaje propio, inspirado en la estética nómada de los pueblos de Baja California que la llevó a experimentar con diversos materiales orgánicos. Fue una de las primeras mujeres escultoras en México que se abrieron paso en el medio gracias a su innovación y talento, además de ser pionera al explorar en su trabajo lo femenino desde lo femenino.
Premios y adquisiciones
La galería Rolf recibió el premio Lexus a mejor stand y waldengallery recibió el premioal mejor proyecto de artista por la participación de Marta Palau.
El Museo Reina Sofía refuerza su Colección con compras de nuevas obras procedentes de galerías participantes en la Feria. Una selección de 16 obras de 15 artistas: Miguel Benlloch; Antoni Campañà; Patricia Esquivias; Eva Fàbregas; Patricia Gómez y María Jesús González, Federico Guzmán; Agustín Ibarrola; Concha Jerez; Antoni Miralda. A estos se suman otros creadores extranjeros como María Thereza Alves; Marwa Arsanios; Cecilia Bengolea; Cian Dayrit; Santiago Yahuarcani, que pasan a formar parte de los fondos del Museo. El valor total de las adquisiciones asciende aproximadamente a 370.000 euros.
También TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary ha adquirido obra de Kader Attia -mor Charpentier-; Jacobo Castellano, Regina de Miguel –Maisterravalbuena-; Miler Lagos -Max Estrella-; Xie Lei -Marta Cervera-; Eduardo Navarro -Proyectos Ultravioleta-; Tomás Saraceno –neugerriemschneider-, y Teresa Sola -Travesía Cuatro-.
No todo es ARCOMADRID
La semana del arte de Madrid implica una agenda maratónica de actividades artísticas ya que casi el 90% del mercado de arte español concentra sus transacciones en estos espacios de comercialización. Con una lluvia invernal, pasada la inauguración en Ifema, al día siguiente en el centro de Madrid abrieron distintas propuestas. Entre las que se destacan UVNT ART en el Colegio de Arquitectos con su cruce disciplinarios como el diseño, la arquitectura y una fuerte impronta de Street art. JustMad, dirigido por Semíramis González dedicada a temas sociales como los derechos de la mujer, la sustentabilidad y con una presencia internacional en esta 13era edición. Por último, Drawing Room dedicada al dibujo.
Tuve el honor de participar en la Misión Comercial integrada por el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto de la República Argentina, el Consulado General y Centro de Promoción de Argentina en Miami, conjuntamente con Arte al Día Internacional y la Feria Pinta.
Con el objetivo de fomentar la apertura comercial y artística del país a nivel internacional se realizó una convocatoria, dirigida exclusivamente a artistas emergentes argentinos, residentes en la Argentina, para participar de un Masterclass sobre Mercado de Arte y postularse para formar parte de una Muestra Colectiva Virtual. La Convocatoria tuvo una muy buena respuesta por parte de la comunidad artística local, con más de 180 inscriptos que manifestaron su interés por capacitarse y adquirir herramientas para formarse y perfilarse hacia el mercado internacional.
La masterclass fue diseñada para compartir herramientas que a artistas emergentes y de generación intermedia les permita ampliar las posibilidades de circulación de su obra de arte.
Arteba, la feria de arte contemporáneo radicada en Buenos Aires abrió sus puertas en una nueva sede en el barrio de La Boca para celebrar sus 30 años. En su formato presencial, la propuesta se desarrolló en torno a dos grandes ejes. Por un lado, los pabellones de galerías y proyectos artísticos en Arenas Studios. En paralelo, la programación artística: conciertos, presentaciones de libros, intervenciones artísticas, performances que se llevaron adelante en diferentes espacios públicos colindantes al predio principal. El buen clima, el carácter local de esta edición, las ventas tímidas pero contundentes, los abrazos fraternos y el encuentro con colegas del sector marcaron la agenda del retorno a la presencialidad post COVID.
Laura Batkis, historiadora, curadora y crítica de arte resalta en esta edición la renovación generacional de artistas y galerías, un aire fresco llegó y se ve con la mayor participación de proyectos de las provincias. En términos estilísticos, hay un nuevo viraje al expresionismo, la figuración y un gran retorno de la pintura no solo en el sector Factor (el joven) sino en toda la feria.
Artistas: diversos y dispersos.
De los casi 300 artistas participantes de la feria, representados en 59 galerías y proyectos artísticos, casi un 20% son de distintas provincias, un dato significativo en la historia de arteba. Participaron proyectos de Mendonza, Rosario, Tucumán, Rosario, interior de la Provincia de Buenos Aires y Córdoba. Diversos referentes del campo artístico cordobeses dijeron presente, distribuidos entre galerías y proyectos artísticos. Martín Carrizo en PASTO, galería en ascenso radicada en la ciudad de Buenos Aires y dirigida por Cesar Abelenda (oriundo de Corrientes); El Pelele, un artista/personaje, que se autodefine como una entidad fantasmagórica que traspasa dimensiones. Su trabajo amalgama diferentes lenguajes que, discursivamente, irrumpen en un universo de espejos y dioses en diálogo continuo entre la vida online y offline; es representado por la Galería Sendros con un conjunto de piezas que se destacaron en Arenas 1- sección principal de la feria-. Samanta Ferro, con la exposición ¿Para qué sirven las espinas? en galería Acéfala; Damián Linossi expuso en La Intemperie, proyecto autogestivo coordinado por Constanza Chiappini en la sección emergente llamada Factor Studio; Soledad Sánchez Goldar representada por LAARTE- proyecto autogestionado de Salta- resultó ser la ganadora del Premio En Obra organizado por los coleccionistas Joaquín Rodríguez y Abel Guaglianone por su trayectoria como gestora y artista. También, dentro de Factor Studio se destaca la labor del artista, gestor y curador Joaquín Barrera quien forma parte del proyecto El Mirador, destacado con el Premio arteba 30 años por su programa de artistas, diseño expositivo y staff de artistas.
Galerías
De modo físico, participaron dos galerías cordobesas: Fundación El Gran Vidrio (EGV) y The White Logde. Romy Castiñeira, artista y directora del EGV destacó el carácter presencial de esta edición: la posibilidad de poder reunirnos nuevamente con clientes, artistas y colegas con quienes alguna vez hicimos un proyecto en conjunto nos llena de alegría. El stand del EGV situado en Arenas 2, en la sección XX contó con obras de Alan Martín Segal, Carla Barbero, Roberto Jacoby, Marisol San Jorge, Lucas Di Pascuale, Rocío Moreno, Guillermo Daghero, Romy Castiñeira. Paralelamente Verónica Meloni participó del Programa de performance.
Por su parte, en TWL expuso Realidades Posibles, que incluye trabajos de Elian Chali, Pablo Peisino, Manuel Coll y Gerardo Oberto. Los cuatro artistas presentan series nuevas que surgen a partir de la cuarentena, las cuales reflexionan sobre el encierro y el trabajo del artista en el contexto de pandemia. En el marco del programa de Adquisiciones, se concretó la compra de parte del Gobierno de la Provincia de Córdoba de la instalación de siete obras de Elian Chali y dos de Pablo Peisino.
Coleccionistas
Los coleccionistas cordobeses desde los modernos a los más contemporáneos participaron activamente de la feria. Se calcula que hicieron una inversión aproximada de unos U$S23.000 en diferentes adquisiciones de artistas emergentes y consagrados.
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Quienes formamos parte del pequeño mundo del arte, tenemos a mano el teléfono de Pepe – José Mascarello-, un transportista que siempre se hace el tiempo para llevar adelante el traslado de obras de arte con mucho cuidado y a buen precio.
Pepe además de ser fletero, a lo largo de toda su vida ha intercambiado con artistas sus viajes por obras que forman parte de su colección. En la actualidad, cuenta con un acervo de setenta piezas aproximadamente. Lleva casi 30 años con el oficio de transportista y su hijo mayor, Facundo está siguiendo sus pasos.
La primera pieza como iniciadora
En agosto de 1990, José comenzó a dedicarse al traslado de todo tipo de objetos. En una oportunidad, la escultora cordobesa Susana Lescano lo convocó para un flete y a partir de allí empezó a vincularse con galeristas y artistas cordobeses, que más tarde fueron rosarinos y porteños. Lescano, aclara con entusiasmo que Pepe no es un fletero común… ¡Es un personaje! Siempre está dispuesto a embalar, a cargar, a descargar. Él participa activamente de la producción de una exposición aún en los momentos más caóticos, con tranquilidad ayuda en lo que hacía falta. Finalmente, Susana afirma se hizo un gran compañero en mi profesión, porque siempre esta disponible y predispuesto.
Años después, en 1995 a Pepe le tocó hacer un flete para Raúl Teppa – artista expresionista abstracto de los ochenta – al momento de pagarle Teppa le abona sus correspondientes honorarios y le regala una de sus obras. Pepe recuerda con claridad de que el artista le dijo: toma, esta obra es para vos por tanto tiempo que venimos trabajando juntos. Pero, entre risas Raúl le advierte: ¡Pepe ni se te ocurra venderla! Y así fue cómo durante casi 30 años Pepe fue recibiendo regalos por su trato tan cuidado o trocando viajes por obras.
Los artistas del tesoro de ofrendas recibidas
Pepe define la colección como su pequeño tesoro, detalla con pasión la manera en que: de a poco cada integrante de la familia se ha ido entusiasmando con la llegada de una nueva obra, aportan alternativas sobre la ubicación en la casa, entre otras tantas observaciones. Por otro lado, en más de una ocasión Mascarello cuenta que han intentando comprarle alguna de sus piezas y en que en todas aquellas circunstancias rechazó la oferta: es que se trata de obras únicas, su valor es incalculable, sostiene.
Algunos de los nombres que integran acervo se destacan: Carlos Alonso, Gabriela Alejandra Bárcena, Luis Bernardi, José Benito, Nancy Cabanillas, Elian Chali, Mariano Cuestas, Sara Fernández, María Gracia Finocchietti, Claudio Gomez, Susana Lescano, Eduardo Livadioti, Leonardo Herrera, Juan Longini, Roger Mantegani, Natalia Mónaco, Claudia Perrotta, Tulio Romano, Pablo Scheibengraf, Raúl Teppa, Jorge Torres y Luis Wells, entre otros.
Al ver las piezas en su conjunto la nota curatorial de la ofrenda recibida aparece y se transforma en la visualidad matérica de la forma que trepa por las paredes de la casa de su dueño. Es posible destacar un universo común: la predominancia de la abstracción geométrica, las acuarelas y el lenguaje figurativo. Hay una geolocalización en el aire y es que Córdoba está presente con su tonada, sus paisajes y figuraciones.
Puerta abierta y viajes interespaciales
Dice el historiador de arte francés Didi – Huberman: Siempre, ante la imagen, estamos ante el tiempo. Como el pobre ignorante del relato de Kafka, estamos ante la imagen como ante la ley: como ante el marco de una puerta abierta (2015:31). Entonces, mirar una obra de arte, contemplarla y vivir con ella en la cotidianeidad del hogar es tal vez una puerta que se abre hacia una experiencia artística nueva. Quizás, adquirir piezas de arte y así conformar una colección ha dejado de ser una práctica exclusiva de un sector minoritario de la sociedad, sino también de quienes pueden identificar en el arte algo que los conmueve.
En este sentido, la socióloga argentina Mariana Cerviño – investigadora y especialista del tema- señala que diversas circunstancias alimentan la emergencia de un nuevo coleccionismo, cuyos inicios suelen situarse en los años ´90. Provenientes de sectores medios y medios altos, una de las características salientes de este grupo es que en genera no dispone de grandes sumas (2007: 192). De esta manera, el nuevo coleccionismo podría abrir caminos hacia personas como Pepe que aprecian la obra de arte, desea que sea parte de su vida y cuentan con recursos para invertir en ella. A diferencia de la nueva moda de los multimillonarios más poderosos del mundo que invierten su dinero en viajes espaciales. Como por ejemplo el caso de Jeff Bezos, dueño de Amazon, que junto a otros tres turistas, estuvieron orbitando once minutos en el espacio exterior. O la ocurrencia el británico Richard Branson, que hizo lo propio con un vuelo privado interespacial relámpago. Ya no se trata sólo de lujosas y fastuosas inversiones de dinero en artistas famosos sino, porque no, de sensibilidad y un presupuesto – que en el caso de Pepe con mucha habilidad se trata de trueque – ajustado a las posibilidades de cada quien.
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Exposición curada por Guillermo Daghero, bajo la edición de Joaquín Rodriguez en la galería BARRO (Buenos Aires, ARG)
Una tarde de verano, mientras yo cocinaba, él iba eligiendo palabras y formando Haikus en el pizarrón gris de la heladera. Esa oportunidad fue la última vez que nos vimos, supongo que en ese momento no lo sabíamos. Un romance tan intenso como breve, qué pasó y terminó pero que aún me impide borrar esas frases. Es que las palabras tienen una fuerza magnética que se anudaron a la cotidianidad de los días.
Un decir es la propuesta para la 4ta edición de Cámara —sección de la galería BARRO— editada por Joaquín Rodríguez y curada por Guillermo Daghero. La exposición está integrada por siete artistas argentinos de distintas generaciones y territorios que tienen en común el uso de la palabra como elemento de producción artística: Hernán Camoletto, Facundo Díaz, Pauline Fondevila, Nicolás Machado, Rocío Moreno, Huenú Peña y Soledad Sánchez Goldar. Este proyecto contó con la colaboración de las galerías El Gran Vidrio, Diego Obligado, Crudo Contemporáneo, Mercurio Galería y La Arte Contemporánea. La muestra estará vigente hasta el 17 de julio y puede visitarse con cita previa.
Oda a la palabra, en la era de las imágenes
Las palabras se hacen ver y sentir. Toman cuerpo textual, dice Guillermo Daghero en su texto de sala, nos señala cómo se corporizan las narrativas de los siete artistas que participan del proyecto expositivo. Otra vez la palabra en el centro de la escena, a pesar de estar viviendo la época más visual de los tiempos de la humanidad. El guión de montaje nos invita a un recorrido silencioso donde cada pieza se amalgama una con otra para formar una unidad de sentido entre la materialidad del lenguaje y la visualidad de las obras. De esta manera, el carácter colectivo y federal de la muestra escapa a la convencional idea de paisaje tan usual a la hora de convocar a artistas visuales residentes en las provincias, a la hora de exponer en espacios centrales de la capital del país. La sutileza de la presencia de los territorios se materializa en la narrativa poética que trazan las palabras que golpean, gritan, abrazan y hasta en ocasiones besan al/a espectador/a que la atraviesa. La narrativa folclórica de las regiones se difumina en gráficos y operaciones matemáticas.
Un decir es el resultado del intercambio entre Joaquín y Guillermo que comienza poco después del surgimiento de la pandemia. Le guiña el ojo a la obra del poeta y artista John Giorno (Nueva York, 1936-2019) expuesta en el Palais de Tokio que reza: LIFE IS A KILLER. Cuenta con un antecedente reciente en el Museo Genaro Pérez (Córdoba – 2019) se trata de la muestra internacional Textos y visualidades, también curada por Daghero y bajo el cuidado general de Gustavo Piñero. Finalmente, afirma Joaquín Rodríguez en su texto Un decir nos invita a conocer estas producciones como una aproximación a una forma de hacer arte donde la literatura, la poesía y el pensamiento se igualan con la pintura y la escultura en su intención de permanecer. Reflexiona sobre el tiempo en suspenso en el que estamos transitando y sus reverberancias en los discursos que nos atraviesan.
Escapan / milagro / creo / poco / luz / verano / tus ojos.
Durante los primeros meses del 2020 nos preguntamos cuánto tiempo duraría el encierro y contemplamos el canto de los pájaros oculto bajo el smog estridente de las ciudades. Meses después, vimos cómo la economía mundial se desplomó y muchxs de nosotrxs perdió un ser amado.
Mientras tanto, algunxs se despertaron y tomaron – con la fragilidad arrastrada – los trozos de los espacios culturales que volvieron a ser habitados barbijo mediante por sus públicos. El mercado, fiel a su inercia no se detuvo. En los primeros 6 meses del 2020 en las galerías de arte (de escala internacional) hubo un incremento de ventas online del 10% al 37%; ahorraron en ferias y transparentaron precios. La pandemia continúa y se esperan varias olas más. ¿Cómo se adaptan los agentes del arte a estas transformaciones constantes? será el interrogante que durante dos días de trabajo nos haremos para cuestionar nuestras prácticas de la vieja vida y de la nueva normalidad.
Objetivo
Estas jornadas pretenden ser un espacio para visibilizar experiencias y herramientas de gestión de proyectos (comerciales o no) de artes visuales durante las nuevas condiciones de exposición y circulación.
Durante el primer día está previsto una mesa dedicada a compartir distintas estrategias llevadas adelante por museos y residencia para atravesar la pandemia. Tomarán la palabra Lía Colombino (Museo del Barro – Asunción – PY); Emanuel Díaz Ruiz (Museo Franklin – San Juan – ARG) y Charly Herrera (Munar – Bs. As. – ARG).
En el segundo encuentro destinado al mercado referentes de Sísmica (marca sectorial chilena), Gabriela Rosso (Art Focus Latinoamérica, colectivo de galerías de arte de las Américas).
¿Cómo se pueden imaginar las ferias de arte argentino luego de la crisis de arteBA? Natalia Albanese Gisbert se atreve a dar ese paso y propone una alternativa que tenga en cuenta la fragilidad económica de las galerías y créditos a tasa cero para compra de artistas locales.
La fundación sin fines de lucro arteBA trabaja en el desarrollo y fortalecimiento del mercado del arte y dentro de sus acciones, la más destacada es su feria anual. ArteBA ocupó durante décadas un lugar central en la escena del arte contemporáneo argentino ante la ausencia de instituciones públicas relevantes que produzcan, visibilicen, legitimen y adquieran artistas contemporáneos emergentes. Siempre el sector privado en el campo de las artes visuales marcó la agenda. Intentaremos aquí no hacer leña del árbol caído, sino pensar juntxs una mirada posible a partir de esta crisis institucional y la tensión de dos modelos de gestión posibles para la realización de la feria.
Un primer modelo anclado en una institución privada (señalamos este aspecto porque históricamente se le ha demandado una serie de necesidades que atañen a las funciones que el Estado no ha cumplido) promulgó -hasta la crisis desatada por la pandemia- una manera de gestionar la feria basada en costos altísimos de producción para sostener la locación de La Rural y una mirada portuaria del arte local, con los pies en el Río de la Plata, mirando al horizonte lejano. Un modelo que hablaba en dólares para sostenerse ante los embates de la inflación galopante.
Un segundo modelo, más reciente habla de un mercado pesificado, más ligado a la idea de comunidad y con un cambio de espacio físico. Desde este linde se plantea un modelo de feria que se hiciera eco de los y las agentes profesionalizados de la escena nacional contemplando la experiencia de Mercado de Arte Contemporáneo de Córdoba (MAC), la incipiente llegada de ArteCO (Corrientes) y Microferia de Rosario. Se sostiene en esta idea del “coleccionismo afectivo” que la curadora Flor Battiti menciona muy a menudo, característica inmanente del mercado de arte local, que hace consciente lo lejano de los grandes mercados como Art Basel Miami, los emiratos y el conjunto asiático (en gran auge en este momento) y vuelve estratégico los mercados de América Latina.
Hoy -COVID mediante- diseñar, presupuestar, planificar una feria de arte para el 2021 debería contemplar en primer lugar, la fragilidad de la economía de todas las galerías (por más bienalizadas que el siglo XXI haya encontrado a las ferias, siguen siendo un espacio de networking para y por galerías de arte) y el fortalecimiento del mercado interno (suponiendo el delay de la apertura de las fronteras); debería incentivarse fuertemente las primeras compras con programas similares a los de artBO; o créditos a tasa cero para compras de artistas locales, con una fuerte campaña en medios, acciones que amplíen el público con especial atención al cuidado de los/as artistas y sus obras; buscar la cercanía, el común- a otrx para encontrarnos, algo tan preciado que hemos perdido.
