Pasó la Semana del arte y Córdoba dijo presente

La Semana del arte de la ciudad de Buenos Aires es un evento organizado por una veintena de instituciones públicas y privadas vinculadas al arte, entre ellas el gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Fundación Arteba, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), entre otras.
Durante 7 días Buenos Aires propuso una agenda de más de 100 actividades con exposiciones de artes visuales esparcidas por toda la ciudad.


La capital del país vivió su encuentro anual en el que orbitan una serie de acciones que promueven el mercado del arte contemporáneo argentino.
El epicentro del evento es la feria Arteba y para esa oportunidad se sumó Affair, una nueva iniciativa con 11 galerías participantes.

32º edición de Arteba

Gentileza Fundación arteba

Todas las fotografías son gentileza Fundación arteba.


El pasado miércoles 30 de agosto la feria Arteba 2023 abrió sus puertas al público especializado hasta el domingo 3 de septiembre en el complejo ferial Centro Costa Salguero.
Este año participaron más de 400 artistas, representados por 58 galerías de más de 15 ciudades. La propuesta cordobesa pudo verse en cuatro stands.
En la sección Principal, por sexta vez The White Lodge estuvo presente con la exposición Naturaleza del futuro que incluyó obras de 7 artistas representados: Manuel Coll, Rosa Mercedes González, Beatriz Moreiro, Jacinto Muñoz, Gerardo Oberto y Sheila O`connor y Claudia Santanera.
Según Georgina Valdez, directora de la galería, los días sábado y domingo fueron las jornadas en las cuales se concretaron muy buenas ventas.

Por otro lado, la mítica galería Vía Marutta, con más de 32 años de trayectoria, contó con la presencia de artistas consagrados como Carlos Alonso, Ides Kihlen y Roberto Matta. En diálogo con María Becerra, nos comentó que la propuesta expositiva tuvo una cálida recepción por parte del público asistente y el gran reconocimiento al maestro Alonso.

Ides Kihlen por Galeria Via Marutta. Gentileza de Fundacion arteba

Así mismo, la galería Maman Fine Art con sede en Buenos Aires y Miami expuso un sentido homenaje a Luis Wells, maestro del informalismo argentino que pasó los últimos años de su carrera en Córdoba y la presencia de Dolores Cáceres, artista cordobesa con su serie Todo lo que brilla es oro.


En la sección Joven (llamada Utopía) se destacó la muestra Portal de tiempos de Satélite, una propuesta que englobó trabajos de 5 artistas contemporáneos que trabajan en Córdoba, Gisella Mailén Scotta, Gabriel Alarcón, Marisol San Jorge, Pablo Martínez y Valeria López, con el acompañamiento curatorial de Manuel Molina. El balance de Valeria López – directora del proyecto- es positivo tuvimos la alegría de ser seleccionados por el jurado para contar con el apoyo de una beca MICA del Ministerio de Cultura de la Nación y eso nos ayudó muchísimo para llevar adelante esta participación.

Satelite en Arte ba. Gentileza de Fundacion arteba.
Satelite en Arteba. Gentileza de Fundacion arteba.
Un animal demasiado solitario se come a si mismo
Cuerpos de Pablo Martinez

Dentro del Programa de Arte e Impacto Social YPF, estuvo presente Mantera Galería junto a Distrito 1, Fundación Qomlashepi, Mujeres indígenas, Silät, Tejedoras Wichí, Tejedores Andinos y Tribu del Trueno, curado por Andrei Fernández. Ésta fue una sección dedicada a propuestas en donde la producción artística va de la mano de la voluntad de transformar su contexto y comunidad.

«El sentido migrante» de comunidades presentes. Gentileza de fundacion arteba.

Las primeras compras en la feria se realizaron en el marco del Programa de Adquisición de Museos por parte de los principales museos e instituciones nacionales e internacionales.
El programa es financiado por mecenas particulares, la participación de los museos internacionales y cuenta con el apoyo de la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional. A nivel nacional, las provincias de Santa Fe, San Juan, Salta y Corrientes llevaron adelante adquisiciones. Sin embargo, el gobierno de la Provincia de Córdoba este año no lo hizo.


Affair


Con respecto a Affair, una plataforma de promoción y comercialización de arte contemporáneo gestionada por 11 galerías de arte, ubicada en Polo Cultural Saldías.
Contó con la participación de 4 galerías cordobesas: Sasha D Espacio de Arte, LyV Gallery, Tierra y María Wonda. Vanesa Amenebar, Luciano Coldman, Mariana Allievi fueron los artistas presentados por la galería Sasha D; esculturas de Luis Wells y Ike Tashiro en LyV Gallery.


Por otro lado, los artistas Javier Calcaterra, Alejandro Niz, Federico Kirschbaum, en trastienda Karina El Azem, Santiago Moreyra en Tierra y Dolores Cabanillas, Rodolfo Zagert y Lucrecia Bertonoli con María Wonda.
Por su parte, Belén Wonda destaca un saldo más que positivo de esta primera edición de AFFAIR tanto en la respuesta del público en asistencia y compras como hacia el interior de la organización con el equipo de trabajo y el grupo humano conformado.
Por otro lado, en el stand de la galería Acéfala pudieron verse obras de la artista Samanta Ferro.


Tendencias del mercado


A pesar de que actualmente nos encontramos atravesando la crisis cambiaria propia de las turbulencias políticas, durante estas jornadas del mercado del arte pudo palpitarse un clima festivo, acompañado por caudalosas ventas a coleccionistas, adquisiciones de museos públicos y la celebración de los 15 años del Premio en Obra, incentivo a proyectos y artistas jóvenes promovidos por los coleccionistas Joaquín Rodríguez y Abel Guaglianone.


En términos generales, se visualizó una predominancia por las estéticas modernistas pictóricas con preponderancia por el cuidado de las formas y la preocupación por el tratamiento del color.

Para leer la nota en La Voz, clickea acá.

Escribió Natalia Albanese.

Así fue la 5ta edición de la Feria ArteCo

Una feria con identidad propia

Inicio con una discusión de Fernand Braudel (historiador francés, de la segunda generación de la Escuela de los Annales, academia dedicada a integrar el estudio de Historia y Ciencias Sociales). Él introduce un nuevo concepto de tiempo histórico. Habla de una pluralidad de tiempos que coexisten. Braudel propone tres tiempos diferentes, cada uno con su propia velocidad:

1) Tiempo largo (longue durée) o ‘tiempo geográfico’.

2 )Tiempo “medio” (conjunctures) o ‘tiempo social’.

3) Tiempo corto (événementiel) o ‘tiempo individual’.

En el tiempo largo (o nivel de las estructuras cuya estabilidad es muy grande), diremos que estamos navegando a escala global en los tiempos de las ferias y bienales. Desde el punta pie inicial que da en 1970 con Art Basel en Basilea hasta nuestros días.

Podemos ver como lentamente en distintas capitales del mundo el bichito de la feria empieza a crecer.

Tanto es así que en este último febrero se celebró en Madrid la 42ª edición de ARCOMADRID y nuestra hermana mayor ARTEBA cumple en septiembre 32 años de aquella primera edición en el Centro Cultural Recoleta.

También Braudel hablaba de un tiempo social; conjunctures, la coyuntura (estadio intermedio, en que el cambio es perceptible).

En nuestro caso, será celebrar los 5 años de ARTECO: una feria con identidad propia, con payé, con vínculos arraigados en instituciones y en la comunidad artística local y paraguaya. Que se piensa con y desde el cauce del río Paraná y de manera expansiva.

Por último, événementiel, el acontecimiento (considerado como la espuma de la historia) o tiempo individual, en el cual el historiador nos interpela con las vivencias personales que nos atraviesan en ese acontecimiento. En este tiempo vital, donde tuvimos la oportunidad única del 18 al 21 de mayo, todos los agentes que integramos el campo del arte argentino disfrutamos de la diversidad cultural de la región.

Una feria es ante todo un proyecto integrador, que busca sumar, abrir el campo del arte e incorporar al sector privado. Junto con acciones que fomentan la producción, contribuye a linkear la escena, generar más trabajo, circulación de obras y formación de colecciones – reflexiona también en viaje–.

Hay riesgos. Una feria es insuficiente ante un panorama legislativo y económico nacional que erosiona las condiciones de producción. No resuelve temas estructurales sino que activa y organiza una parte de la circulación y recepción del arte. Esta proliferación de ferias requiere programas de fomento al coleccionismo, urgente.

Cuando se activa el deseo, se activa la compra y ahí ocurre la magia. Necesitamos generar estrategias de mercado sostenibles que nos permitan la distinción de valores según la carrera de cada artista.

Durante los cuatro dias de la Feria pasaron mas de 40 mil personas por el predio de la Ex Usina Electrica de Corrientes. Se vendieron 364 obras.

Circuito del arte en Corrientes

En esta edición hubo un circuito del arte con actividades en cinco puntos de la ciudad. La Ex Usina Eléctrica como punto central, el Museo Provincial de Bellas Artes, el Centro Cultural Universitario de UNNE, el Museo Casa del Parque y la Legislatura de la Provincia de Corrientes. “Buscamos que toda la ciudad pueda respirar de alguna manera el aire de las producciones artistas”, destacó el arquitecto Gabriel Romero.

En el Museo Casa del Parque ubicado en el Barrio Cambacua de la ciudad de Corrientes se inauguró parte de la muestra Laberintos de la Fundación Proa. Esta muestra si bien fue inaugurada en el marco de ArteCo 2023 estará expuesta en la ciudad hasta finales del mes de julio. En la misma se pueden encontrar obras de los artistas Alejandro Chaskielberg, Giovanni Battista Piranesi, Antonella Bussanich, Ilaria Di Carlo, Jorge Miño, Karina El Azem, Ernesto Pesce, Mariana Schapiro, entre otros.

En la Fundación Proa esta muestra fue curada por Cecilia Jaime y Mayra Zolezzi. Julio Sánchez, licenciado en Historia del Arte (UBA) y Máster en Gestión Cultural (INAP) fue el curador y responsable de que esta muestra llegue a la provincia de Corrientes. Por su parte Mayra Zolezzi explicó que el laberinto es un tema que atraviesa la historia de la humanidad, distintas civilizaciones y culturas, “son esos temas como la vida, la muerte, el amor, que se ha representado de múltiples maneras desde distintas disciplinas, desde el cine, la literatura, desde las artes visuales, la fotografía, también desde la arquitectura y el espacio urbano, también como metáfora de la vida misma”.

Libro y muestra sobre Yaguá Rincón

El Gobierno de Corrientes, a través del Instituto de Cultura de la Provincia, encomendó la publicación de un libro y la realización de dos muestras con el objetivo de rescatar la memoria del primer colectivo de arte contemporáneo de la provincia: Yaguá Rincón: la residencia que abrió el artista Richar de Itatí en 2007 en su cuarto de pensión frente al puerto de Corrientes. «Pensaban y definían un momento de la historia del arte de Corrientes. Lo más valioso: sin dimensionar ni saber lo que estaban gestando en torno al arte contemporáneo», definió Gabriel Romero, presidente del Instituto de Cultura.

El libro Yaguá Rincón fue editado por el sello India Ediciones, dirigido por Eugenia Rodeyro y Victoria Blanco, con edición al cuidado de la periodista especializada en arte María Paula Zacharías. El mismo tiene casi trescientas páginas, con más de doscientas imágenes y textos de quince autores. Además cuenta con un apartado con recortes de prensa que hace al archivo documental de una época. Además de su edición impresa el libro tendrá una edición digital de descarga gratuita en el sitio del Instituto de Cultura de Corrientes.

La muestra sobre Yaguá Rincón realizada en el marco de ArteCo 2023 fue curada por el artista y curador Gustavo Piñero. Se realizaron dos exposiciones tanto en la ex Usina Eléctrica como en un espacio especial del hotel La Alondra. Piñero, describió: “Yaguá Rincón no solo fue un grupo de artistas que trabajaron juntos, sino también un experimento social. Cuando no se coincide con las reglas de la sociedad en la que uno habita, quizás se puede crear una nueva, una pequeña comunidad aglutinada bajo intereses comunes. Un espacio de libertad en donde con iguales se dejan transcurrir las horas en debates o se trabaja en diversas obras, que en muchos casos devienen colectivas”.

Premiso In Situ y UNNE

En la 5ª Edición de ArteCo 2023 se otorgó dos importantes premios. El premio In Situ de la mano de los coleccionistas Abel Guaglionone y Joaquin Rodríguez. El primer premio le otorgaron al proyecto cultural artístico – ¿qué ves Yapeyú?, una residencia para artistas en la ciudad de Yapeyú coordinado por Francisco González Baltazar y Lorenzo González Baltazar. El segundo premio In Situ fue para “Relatos visuales”, de las artistas Guliana Uset, Maflo Martínez, Valeria Thomas Temporelli y Victoria Benítez.

En tanto desde la Universidad Nacional del Nordeste, María Andrea Maia Eirin, directora del Centro Cultural Universitario junto al jurado entregaron dos premios, Premios Adquisición y Premio Exposición. El jurado del premio UNNE Adquisición estuvo conformado por Sandra Dinnendahl López, Andrea Núñez y Claudio Javier Vallejos quienes premiaron la obra de la artista Fabiana Larrea por su obra “La Fibra vegetal 2”.

En tanto el Premio UNNE (Exposición) que otorgará la posibilidad de exponer en las salas de los dos Centros Culturales de la UNNE, CCU y CCN, en el 2024, cuyo jurado estuvo integrado por Marisa Eugenia Rossini, Débora Durán y María Esperanza Gómez Castillo le otorgaron el premio al artista Cristian Badaró.

Agradecimientos

Dedico un agradecimiento especial al Arquitecto Gabriel Romero por convocarme y a Joaquín Rodriguez y Abel Guaglianone, impulsores del Premio In Situ. Agradecer a la Curaduría general del artista y curador Gustavo Piñero. El espacio editorial fue curado por Lucas Mercado, el Festival de Arte Sonoro por Julia Rossetti y Martín Sandoval, el programa de Becas Artistas Visuales de Corrientes por Fernanda Toccalino y el espacio de video y Festival Play – videoarte y cine experimental por Maia Navas. También en el marco de esta feria se inauguró la muestra Laberintos de la Fundación Proa curada por Julio Sánchez.

La coordinación general del proyecto de ArteCo estuvo en manos de Natalia Albanese. La producción general fue de Andrea Núñez, la directora de infraestructura y obras en la Ex Usina Marta Vizcaino,  coordinadora de artistas individuales y redes sociales Vanina Daubrowsky, coordinadora de galerías María Esperanza Gómez Castillo, coordinadora del sector editorial y auditorio Jazmín Rea, encargada del área administrativa Nazareth Fernandez Hermosi. En redes Matías Zelarayan y diseñador gráfico Antonio Ras Fernández. En el programa de invitados especiales Melanie Servin y en administración Lucía Alvira.

Natalia Albanese

Coordinadora General de ArteCo 2023

La Feria Arteco lanzó su quinta edición en el MalBa

El Gobierno de la Provincia de Corrientes, a través del Instituto de Cultura de Corrientes, realizó el lanzamiento de ArteCo en Buenos Aires junto a la Fundación Proa. Fue el martes 25 de abril en el Museo de Arte Latinoamericano.

La continuidad de una política pública y un espíritu federal que busca acercar las provincias a ArteCo 2023 llevó su presentación a Buenos Aires. El año pasado fue en el Museo de Arte Moderno Eduardo Sívori. Este año la cita fue en el MalBa. «Estamos contentos de hacerlo en un lugar tan prestigioso para el arte. Es importante para nosotros mostrar el arte que se produce en las provincias de Argentina”, destacó el arquitecto Gabriel Romero, presidente del Instituto de Cultura.

“ArteCo se posiciona como la vidriera para los artistas de Corrientes y la región. Con la realización de la Feria en Buenos Aires se busca atraer a compradores, coleccionistas y prensa especializada. Es también la oportunidad de visibilizar el arte de Corrientes y de la región”, agregó.

Asistieron funcionarios, artistas y coleccionistas que nos permiten potenciar el arte contemporáneo de nuestro país.

Te invito a leer la nota que escribió La Nación haciendo clic aquí.


Tambien El Canal T5, canal Satelital del litoral argentino, me entrevistó durante el lanzamiento en el Museo de Arte Latinoamericano (Malba). 

La programación ampliada de la feria cuenta con la curaduría general Gustavo Piñero quien practica la escucha y la percepción para interpretar también una cultura donde el legado intangible está presente. En tanto el espacio editorial es curado por Lucas Mercado, el Festival de Arte Sonoro por Julia Rossetti, el programa de Becas Artistas Visuales de Corrientes por Fernanda Toccalino y el espacio de video y Festival Play – videoarte y cine experimental por Maia Navas. También en el marco de esta feria se podrá apreciar parte del a muestra Laberintos de Proa de la mano del curador Julio Sánchez.

El objetivo de esta edición es fomentar el crecimiento del sector en la circulación y la comercialización de las obras de arte de la región, de hecho esta edición cuenta con más de cinco proyectos nuevos locales. Propiciamos el encuentro y la participación mutua y colectiva de los artistas con las galerías y de los artistas asociados entre sí.

Artistas, escritores, galeristas se encuentran con un público variado. Articula artistas plásticos con el mercado, algo que de a poco empieza a consolidarse en nuestro país, impulsado por el Estado. 


Arte Co es una feria que continuamente hackea lo normativo, porque tiene una identidad muy propia, con payé, con vínculos enraizados en instituciones y en la comunidad artística local y paraguaya. Los artistas correntinos dialogan con el paisaje, tienen mucho vínculo con las poéticas de la cercanía natural, sobre todo con el cauce del río Paraná. La geografía tiene mucha potencia. Para ArteCo el territorio es cualquier lugar a ser experimentado.

“En Corrientes se pueden encontrar con la exuberancia del paisaje, con la riqueza del patrimonio arquitectónico y con el patrimonio intangible de la humanidad como el chamamé. Creemos que todo eso está atravesado en las obras de los artistas. Una de esas experiencias que dan cuenta de esto es «Yaguá Rincón» donde articularon lo contemporáneo con la religiosidad popular, el paisaje y el ser correntino.»

Esta 5ta edición de ArteCo 2023 tendrá un circuito importante de exposiciones que van desde la Ex Usina Eléctrica como punto central, el Museo Provincial de Bellas Artes, el Centro Cultural Universitario, el futuro Museo del Carnaval y la Legislatura de la Provincia. Será en la Ciudad de Corrientes del 18 al 21 de mayo.

Instalación durante la 4° Edición de ArteCo.

En esta 5° Edición de ArteCo además de los artistas de Corrientes sumamos a los artistas de Chaco, Formosa y Jujuy, todos ellos junto a las galerías más importantes del Paraguay.

Les recomiendo tener oportunidad de ir a la feria, porque es accesible para todo público y ayuda a visualizar la producción de un modo más fácil que lo que puede ser en un museo. Se presentarán multiplicidad de propuestas, con la posibilidad de comprar obras.

Bitácora de un recorrido posible a las artes visuales del Paraguay

Querido lector a continuación compartiré una serie de anotaciones sobre un recorrido por espacios de artes visuales en Asunción. Deseo pedir disculpas de antemano por la prosa desordenada; está atravesada por el anhelo de concretar este viaje que la pandemia truncó más de una vez. También, seguramente por falta de datos que usted (lector informado) complementará mejor sobre la escena local. A pesar de todo esto, le invito a esta lectura.

Me presento, pues muchos de ustedes no me conocen. Me llamo Natalia Albanese, nací en la Patagonia, estudié en Córdoba y desde hace casi 20 años me dedico a la gestión de arte contemporáneo. Estudié comunicación, letras, hice teatro y danza. Ahora estoy terminando de cursar un doctorado en artes y mi tesis es sobre coleccionismo.
Confieso, que hasta hace menos de tres años, sabía poco sobre el arte de Paraguay. Leí a Ticio Escobar y a Adriana Almada. Me topé con las obras de Osvaldo Salerno, Claudia Casarino y Félix Toranzos. Pero, no mucho más. Mi trabajo en ArteCO (Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes) me acercó a ASGAPA y desde allí, en constantes diálogos con la Comisión Directiva empecé a dimensionar más sobre el asunto.

Día 1: El azul francia del Museo del Barro
Con la valija aún en el auto, lo primero que pisé fue la cafetería del Museo del Barro. Ahí presencié el azul francia que en tantas fotos vi. Al atardecer y casi en soledad, pudimos recorrer el museo y sentir paso a paso la reinvindicación de otra museografía a la canónica, la mirada atenta y contemporánea a las expresiones culturales de la región. Recorrer, perderme entre los recovecos y pasillos entre la Fundación Migliorisi, el Museo de Arte Indígena. Perderme, recorrer y explorar los lindes con la antropología, el arte religioso, lo pagano…

Día 2: Maratón galerístico
Al día siguiente, junto con Laura González, presidenta de ASGAPA hicimos el maratón galerístico. A continuación mis apuntes de algunas obras y experiencias que me llamaron la atención.
Las obras de Patricia Ayala que vi en Expresiones, esas mujeres mulatas vestidas de colores alegres y con curvas exuberantes me recordaron a las esculturas de la artista francesa Niki de Saint Phalle.
En Martha Manchini, tuve la oportunidad de apreciar parte del corpus de obra que dejó Lucio Aquino. Me llamó la atención su trazo tan suave como firme y su anticipada búsqueda sobre y desde la corporalidad.
La ocasión permitió, escuchar sobre el Premio FARO organizado en los 2000 por Martha pero más también conocer su recorrido por el país difundiendo las artes visuales en pequeños pueblos. Imagino el camión con las obras, los talleres, las inauguraciones en cada lugar y me invade la admiración por tal hazaña. En lo de Pablo Ávila pude conocer más la obra de Roberto Noguer. Luego, en Fábrica, volví al azul francia. Contemplé la trastienda – que aunque está un poco desordenada – … es de los tesoros artísticos más importantes que vi en Asunción.


En Exaedro, la instalación de Antonella Fernández con elementos del Mercado 4 y sus acuarelas, me dieron un aire fresco. No pude intercambiar mucho con ella, pero percibí de su trabajo la tenacidad y constancia de esos artistas que llegarán lejos.
Continuamos llegamos hasta la galería de Verónica Torres. Nunca había ido a una galería de arte en un Shopping … tenía mucha intriga cómo sería. Allí estaban la serie de Toranzos, los objetos escultóricos eran muy interesantes, pero esos papeles, a mano alzada, me atrajeron tantísimo.
En Matices, pude dimensionar más acabadamente la magnitud de la obra de Miglorisi, reírme, cuestionarme y también contemplar.
Luego llegamos a Casa Mayor, y en ella a la sala dedicada a Feliciano Centurión: un fragmento de un jardín, una frazada bordada, y la frase: CORAZÓN TIBIO, ¿habrá el imaginado alguna vez el reconocimiento que tendría su obra? No solo en las instituciones prestigiosas que cobijan alguna de sus piezas, sino en el hilo que cada artista luego usó para bordar. Es una pregunta que reverbera todavía en estos días.
En Arte Actual, me llamó la atención la obra de Oz Montania, me interpela cuando artistas que intervienen en el espacio público encuentran un lenguaje también en una galería.
Agotadas, seguimos hasta Artística, noté los cambios en la disposición del espacio y celebré la exposición de Krasniansky de casi 100 obras, con lo que me quedaba de energía, la recorrí poco a poco.

Día 3: Centro asunceno y el Gabinete
Luego de un almuerzo de trabajo con todas las galerías que forman parte de la Asociación, corrí a conocer Espacio E. Interrumpí un ensayo de Bosquejo, una cita del artista Gustavo Benitez intercambiamos breves frases con Edith Correa. La casa inmensa en el centro de Asunción apoderada por varias disciplinas artísticas llamó mi atención. Luego conocí MultiArte y conversamos amorosamente con Liliana Segovia sobre el valor de las galoperas dentro del arte.


Luego pasé por el Gabinete de la Colección Mendonca.
Posiblemente, en Asunción haya muchos otros coleccionistas, como compradores y amantes del arte. Sin embargo, me detengo en esta colección porque a partir de ella se puede hacer una triple lectura. Primero en lo que respecta a conservación del patrimonio contemporáneo, este lote da cuenta de un recorte muy interesante: una cantidad significativa de obras de los artistas nodales de la escena que captan distintos momentos de producción. En segundo lugar, el rescate de artistas mujeres (casi que la colección cuenta con una paridad) y un tercer aspecto, este acervo da cuenta que su impulsor cuenta con un conocimiento profundo de la producción artística contemporánea del Paraguay.
Dentro de las obras exhibidas, está la obra Fragmentos de trastornos del sueño (2011) de Claudia Casarino, artista que admiro profundamente por la densidad de su trabajo y su constante aporte a la construcción del arte latinoamericano desde la periferia.
Me pregunto ¿Qué pasará dentro de 30, 40 o 50 años cuando alguien se pregunte qué les preocupaba a los artistas paraguayos de nuestro tiempo? Pues bien, en el Gabinete hay una respuesta, tan incompleta como precisa, tan inacabada como contundente.

Día 4: Mercado 4
En esta edición de ArteCO, su director artístico Gustavo Piñero decidió proyectar el documental Abrazo Íntimo / Al Natural, de la realizadora Mon Ross sobre la obra del artista Feliciano Centurión y que el coleccionista Gustavo Bruzzone hiciera la presentación del mismo. El momento fue épico, estábamos en una vieja Usina que llevaba 30 años cerrada, nos habíamos vuelto a reencontrar con decenas de colegas y esa imagen quedó vibrando en mi cabeza. En un momento del film, los protagonistas recorren el Mercado 4 y desde entonces supe que al viajar a Asunción haría lo propio. Iría en la búsqueda de los elementos cotidianos que forman parte de la obra de Centurión. Sandra Dinnendahl, artista y curadora hizo el circuito y la experiencia fue fundamental para comprender la mirada artística del Paraguay. También durante este recorrido pude conversar con ella sobre el actual proceso de creación que junto con tres artistas – Nico Electrica, @hazelrrbts, Jonatan Fernández – inaugurará el próximo 8 de octubre en Fuga. La exposición llevará el nombre de Bajo dentro sobre RutaPY02. Sandra – o también conocida con su seudónimo artístico Esedele – me introdujo en las búsquedas artísticas que el proceso de creación está atravesando: pensando en que la Ruta Nacional PY02 exhibe culturas materiales y estéticas características que provienen de numerosas expresiones espontáneas de comercio, religiosidad y cultura.

A lo largo de su extensión, desde el Panteón de los Héroes en Asunción hasta el Puente de la Amistad en Ciudad del Este, hay nichos, santuarios y oratorios. Alrededor de ciudades y pueblos incrementan los puestos de venta de tereré, mate, poha ñana, mosto, carbón zarandeado, miel de abeja, queso, maní y numerosas chiperías. La mayoría son construcciones informales y perecederas, edificadas temporalmente para “aprovechar” el tráfico constante de automóviles. Los carteles que destacan la mercadería están hechos y pintados a mano. La presente duplicación de la Ruta ha evidenciado la caducidad de estas construcciones. Tanto puestos de madera como nichos han sido tumbados para ampliar la carretera. La transitoriedad de la Ruta es una cualidad que se ha transferido a edificaciones que colindan con ella. La exposición tendrá ​​instalación, objetos, audiovisuales, sonoros dará cuenta de la experiencia de transitar y habitar esta ruta.
Me faltó conocer las dos Fugas, pero luego de una Conferencia que di, cenamos con Betiana Brizuela y Hugo Cataldo Barudi, celebré ese momento y sus rebeldías.

Perdóneme, apreciado lector. Sé que me faltó mucho más. Así que será hasta la próxima.

Un nuevo código de ética para coleccionistas y algunas discusiones que convoca

El 2 de mayo de 2022 se presentó en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat Un código ético para coleccionistas. Organizado por la revista de arte Terremoto en colaboración con Ethics of Collecting, puede leerse online su versión en inglés.

Se propone como set de herramientas que busca inspirar y guiar a quienes se definen como coleccionistas de arte contemporáneo y deciden voluntariamente adherir a él. Benedicta M. Badia Nordenstahl, coleccionista argentina y una de las promotoras de la iniciativa, sostuvo que el código fue escrito por un grupo de coleccionistas que:

“Entiende su práctica como una responsabilidad social y ven el coleccionismo más allá de la compra-venta del arte. El puntapié inicial fue clasificar el arte como un sector de interés público. Se investigaron normas de conducta de otros sectores de interés público, como salud, educación, transporte, entre otros”

Este cambio de enfoque nos invita a reflexionar desde un nuevo paradigma porque la transacción deja de ser vista como un intercambio entre privados y pasa a ser comprendida en el marco de condiciones de producción y recepción del campo del arte.

"Amo tu trabajo -me recuerda a muchos artistas que estoy coleccionando y que están recibiendo más atención que tú." de Pablo Helguera
«Amo tu trabajo -me recuerda a muchos artistas que estoy coleccionando y que están recibiendo más atención que tú.» de Pablo Helguera

Por su parte, Leopol Mones Cazón, galerista y miembro de MERIDIANO (Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo), señala que la cámara acompaña este tipo de iniciativas que alientan a profesionalizar e institucionalizar las prácticas del sector. En este sentido, el expresidente de MERIDIANO precisa que: “la generación de un código de ética interno para las galerías que comenzó desde los inicios de la cámara en el año 2014 nos permitió ir construyendo acuerdos entre pares. Nosotros lo dimos a llamar ‘Código de buenas prácticas profesionales’. Sin entrar en la discusión etimológica sobre los conceptos de buenas prácticas y ética, que excede los límites de este artículo, resulta interesante la diferencia de nominación:

Las galerías ponen el foco en buenas prácticas profesionales y los coleccionistas piensan en términos de ética. En el caso de las primeras, esta distinción se puede atribuir a la intención de profesionalización de los procesos de gestión, y en el caso de los segundos, a enfatizar la adhesión voluntaria a este corpus de normas.

"El coleccionista sabe que supuestamente no debe decir qué tipo de arte el artista debe hacer -casualmente dejo su lista de deseos del tema, color, tamaño y composición sobre la mesa." de Pablo Helguera
«El coleccionista sabe que supuestamente no debe decir qué tipo de arte el artista debe hacer -casualmente dejo su lista de deseos del tema, color, tamaño y composición sobre la mesa.» de Pablo Helguera

El Código se presenta como una propuesta que busca fomentar un coleccionismo que deje de ser una actividad secreta y busca que se respete la autonomía de todos los profesionales del mundo del arte. Cuenta con la intención de promover el trabajo colaborativo para garantizar el bienestar y los derechos laborales de todas las partes.

Se estructura en siete apartados:

  1. Relación con artistas.
  2. Gestión de la colección.
  3. Obras por encargo y apoyo a la producción artística.
  4. Apoyo a instituciones.
  5. Prestación de servicios como miembros de cuerpos gubernamentales,.
  6. Relación con dealers y/o galeristas.
  7. Relación con otros profesionales.

El Código es un manifiesto de comportamiento ético que entiende al coleccionista como un actor del ecosistema del arte. Inserto en este engranaje de relacionamiento y detentando el poder de compra y/o financiamiento, hasta hoy no ha sido nunca cuestionado ni regulado en su práctica. Se presenta como una invitación a incentivar relaciones entre los coleccionistas y todos los agentes que interactúan en el campo del arte (artistas, curadores, historiadores del arte, docentes, galeristas, referentes de instituciones) de una manera respetuosa, transparente, sin tratos abusivos.

El texto fue impulsado por un grupo de coleccionistas residentes en Europa, América del Sur y del Norte, quienes durante más de un año discutieron y reflexionaron al respecto. Se ha nutrido, además, del aporte de varios profesionales del sector. La redacción estuvo a cargo de Pedro Barbosa, Haro Cumbusyan, Iordanis Kerenidis, Evrim Oralkan, Jessica Oralkan, Piergiorgio Pepe, Sandra Terdjman y Andre Zivanari.

Según puede leerse en la iniciativa, el mundo del arte ha atravesado una transformación significativa en la que se plantea el debate de un número cada vez más amplio de cuestiones éticas en torno al papel del arte y de los trabajadores del arte. En particular, existe una conciencia mayor de que el sector del arte históricamente ha operado con un nivel de desconexión de algunos de los conceptos básicos de la ética profesional. En consecuencia, la opacidad y el poder/dependencia suelen ser la norma, aunque la transparencia, la rendición de cuentas, la integridad y la equidad son necesarias en cualquier mercado a gran escala.

El antropólogo Arjun Appadurai afirma que el consumo es eminentemente social, correlativo y activo, en lugar de privado, atomizado y pasivo; por lo tanto, suena razonable echar luz sobre la práctica del coleccionismo.

Tras el gesto de este grupo de coleccionistas que desde el sector privado entienden el carácter público de sus actos, vuelve a quedar en evidencia la ausencia del accionar del Estado y la desregulación del mercado en la escena local del arte contemporáneo.

La falta de normativas que regulen la práctica artística y resguarden los derechos laborales de los profesionales que integran el sector o la ausencia de leyes que promuevan la comercialización de obras de arte por parte del sector privado y público provoca condiciones dispares en el mercado.

En este sentido, la socióloga Mariana Cerviño apunta que el bajo volumen total de inversiones privadas y la casi inexistencia de adquisiciones de instituciones públicas de obras de arte producidas en nuestros días hacen necesario repensar la competencia del Estado en estos asuntos, cuyo —magro— presupuesto para el fomento del arte parece limitarse a las instancias de formación académicas, abandonando al mundo privado aquellas otras donde se construye el valor tanto simbólico como económico del arte.

El espíritu del texto no indaga sobre las contextos locales porque aspira a ser un código universal y a poner el foco en las prácticas de quienes coleccionan. Sin embargo, la recepción de este código nos da pie para pensar un análisis sobre el mercado de arte local y con él germina una serie de dificultades. Primero, partimos un poco a ciegas, siempre hacen falta datos o el acceso a ellos es laberíntico. No queda claro cómo se establecen los precios de las obras y qué tipo de cambio se toma al dolarizarlas.

Tampoco se conoce a ciencia cierta, cuando se realizan eventos de gran envergadura como ferias o galleries weekend, el impacto de estas acciones en términos económicos; me refiero específicamente a dimensionar el volumen de ventas total.

Vale decir que la pandemia abrevió la falta de transparencia, dado que crecieron las plataformas comerciales digitales. El más conocido es el caso Artsy, y quienes publicaron sus precios obtuvieron mejores resultados.

Esta opacidad a la hora de hablar de números suele provocar un descrédito en compradores ocasionales o quienes están analizando por primera vez inversiones en arte. Y también genera la monopolización del mercado en pocas manos: sólo aquellos que tienen los recursos (o capitales, en términos más sociológicos) para leer y operar las reglas del campo del arte son quienes pueden gestionar empresas sustentables, el resto queda afuera.

"Estoy seguro que donando una de tus obras a mi colección te sentirás muy honrado de estar junto a otros artistas famosos a quienes también engatusé para que me donaran sus obras." de Pablo Helguera
«Estoy seguro que donando una de tus obras a mi colección te sentirás muy honrado de estar junto a otros artistas famosos a quienes también engatusé para que me donaran sus obras.» de Pablo Helguera

En segundo lugar y volviendo al tema principal que es el coleccionismo de arte, vemos que la historia del arte argentino dedicó estudios fragmentarios, usualmente centrados en la figura de uno u otro protagonista o bien abocados a los procesos de conformación de las colecciones públicas de los museos.

Hay una vacancia en las reflexiones en torno a los consumos culturales de arte contemporáneo actuales. Este agujero negro en nuestra historia del arte contribuye a hacer aún más encriptadas las prácticas de compra-venta de arte.

El desconocimiento acerca de quién compra, cómo, cuándo, a cuánto, le pone el velo a la búsqueda de sistematicidad que esta práctica suele tener, porque como ya se ha dicho, el gusto es social.

No sé que es lo que quiero. Me podés mostrar algo en esa categoría?" de Pablo Helguera
«No sé que es lo que quiero. Me podés mostrar algo en esa categoría?» de Pablo Helguera

El tercer y último punto que resulta interesante rescatar es la manera en que los consumos culturales en las provincias vienen destacándose en —al menos— la última década. Provincias como Salta, Corrientes, Santa Fe, Córdoba y La Rioja cuentan con gestos tendientes a la comercialización de obras de arte. Algunas propiedades que emergen en estas latitudes son la proliferación de las ferias de arte a cargo del Estado; obras con precios más bajos en relación con el mercado porteño e intermitencia en los proyectos de gestión —dada la dificultad de la sostenibilidad económica—.

Si tomáramos a un artista emergente residente en alguna de las provincias mencionadas con una trayectoria similar a un artista que opera en Buenos Aires, encontraríamos grandes diferencias en las cotizaciones de sus piezas. La doble devaluación que experimenta la producción artística desde la Panamericana hacia el interior del país deviene no sólo de la inflación histórica argentina, sino de las condiciones estructurales actuales: pocos compradores que están dispuestos a pagar poco dinero e instituciones que no acompañan la producción contemporánea local.

"Si eres razonable me ofrecerás un 25% de descuento para que cuando venda la pieza mañana a más del 25% del precio de mercado tenga al menos un 50% de beneficio" de Pablo Helguera
«Si eres razonable me ofrecerás un 25% de descuento para que cuando venda la pieza mañana a más del 25% del precio de mercado tenga al menos un 50% de beneficio» de Pablo Helguera

Rescato la mirada de Pablo Montini a través de M.I.d.A. Mercado Inexistente del Arte (Rosario, Cultura Pasajera, 2005), donde se pregunta por la incidencia de las políticas de Estado necesarias para saldar la falta de un mercado del arte a partir de sus colecciones públicas, que permitan fluidez en los ingresos de los artistas.

Como cierre de estas ideas sueltas sobre el coleccionismo de arte, reverberan los modos de vincularnos con otros como eje central, volver al uno a uno para que desde esta base pensemos sistémicamente.

Escribió: Natalia Albanese Gisbert

ilustraciones de Pablo Helguera

Maleza croma

Ungallery – Arroyo 932. Buenos Aires.

Es una exposición que se embebe de la clorofila de la vegetación del monte paranense atravesada por la escala cromática de luces y pigmentos para recrear nuevos mundos posibles. En este trabajo, Juan Jiant (Martín Coronado- Provincia de Buenos Aires, 1994) nos introduce a su universo onírico que se entremezcla con la contaminación urbana y la maleza para dar paso a una atmósfera llena de criaturas amorfas, aguijones volumétricos que se despliegan por el espacio de la salas. Éstos seres invitan al espectador a vivir las dualidades que se ponen en juego en cada pieza: realidad y ficción; naturaleza versus urbanidad; flow o obsesión; analogía & virtualidad. 

Al igual que cómo ocurre con los haikus (poemas japoneses formados por tres estrofas) en donde el poeta trata de expresar de forma sinética lo que acontece en un instante; las obras de Jiant nos hablan de las contradicciones de la vida cotidiana urbana a través de la creación de sus compostajes cromáticos.

La camelia en el suelo

ha vaciado de ayer

el aguacero 

Yosa Busón

A su vez, Maleza croma busca que nos detengamos a reflexionar de un modo lúdico sobre el impacto de la presencia humana en entornos naturales. En este sentido los haikus unen elementos aparentemente irrelevantes para situarnos en los movimientos de la naturaleza y sus símbolos. En ambos casos, hay una lectura poética del mundo natural y un gesto para resguardarlo.  

En esta propuesta expositiva, Juan explora -de modo casi obsesivo- los lenguajes y texturas pictóricas, escultóricas y digitales: salta de un render al trabajo manual en resina con tanta facilidad que las dimensiones analógico-digital son el linde y la materialidad de sus obras. Así, las piezas expuestas en esta oportunidad, permiten que Jiant experimente con las transformaciones morfológicas de organismos biológicos y el impacto que se genera en los ecosistemas tras el paso de la presencia humana. Las esculturas corporizan como juglares visuales su preocupación por cómo el ser humano padece, habita y se relaciona con la naturaleza y su modo destructivo de vincularse.

Natalia Albanese. Curadora. Marzo 2022.

Semana del arte en Madrid. No todo es ARCO

Comparto una crónica que publiqué en Infobae

El frío otoñal raspa apenas la piel de la cara, los primeros almendros del Parque del Retiro están en flor y el sol filtra a través de su luminosidad con la misma intensidad que frío, el resultado es casi glorioso la sensación a invierno en pleno febrero.  La semana del arte en Madrid que se palpita recibiendo a que cientos de agentes del arte que recuperaron su cita en la feria de la ciudad más mediterránea de España.

Balance ARCOmadrid 2022 

Desde el 23 al 27 de febrero IFEMA MADRID recibió a 185 galerías de 30 países. Durante su desarrollo, se desató la tan temida guerra entre Rusia y Ucrania y solo la reina Letizia dio la bienvenida el pasado jueves. También, recibimos la triste noticia del fallecimiento del maestro Antonio Seguí. Se entregaron premios de los cuales dos se van para casa y varias adquisiciones de artistas latinoamericanos se incorporan en importantes colecciones. Una feria dominada por la pintura con poca diversidad de formatos. Con ventas tímidas al comienzo de la edición que se concretaron durante el fin de semana. ARCO finaliza una edición positiva. 

Nos reencontramos después de 530 años

Así, saludo La Chola a la Reina de España quien recorrió el stand de Pasto y se informó acerca de la obra de la artista y su trayectoria.

Ambiente general

Según Maribel López Zambrana, directora de la feria: Las galerías han hecho un hecho un esfuerzo único, pese a las circunstancias todas han tomado altos riesgos en la presentación de los stand y eso ha tenido sus resultados. Las ventas se han distribuido. Hemos tenido muy buenas resultados del networking durante los días de público profesional y una respuesta masiva – siempre con los cuidados pertinentes – del público en general. 

Con los pasillos más anchos lo que permitió una perspectiva más general de la feria, la edición 40 + 1 de ARCO contó un la predominancia del lenguaje pictórico en las propuestas de las galerías de la sección general, con poca diversidad de otros formatos: como la escultura, la performance o el videoarte. Haciendo un ejercicio de síntesis podríamos destacar:

La obra Sin título (2021) de Peter Zimmermann (1956, Alemania) de la Galería Filomena Soares hecha de resina epoxy sobre tela se asemeja a un cuerpo escultórico en el lenguaje pictórico.

La obra Sin titulo (2020) de acrílico sobre lienzo de Katharina Grosse (1961, Alemania) la Galería Nächst St. Stephan Rosemarie Schrarzwälder (Viena) es un ejercicio pictórico en busca de la tridimensionalidad de la pintura. 

La obra Olea de Solimán López en la galería Baro (Mallorca, Lisboa, San Pablo)) una escultura móvil que contiene en su interior el aceite de oliva creado por el artista, en cuya composición ha incorporado moléculas de ADN producidas artificialmente que responden a los datos de la criptomoneda OLEA .La obra de Sonia Navarro en la galería T20 (Murcia) por cómo trabaja el textil y la manera en que a partir de la abstracción del trazo se crean figuras que nos remiten a las corporalidades.

La obra del artista francés Xavier Veilhan La femme Nue en la consagrada galería Perrotin en su composición y configuración de la figura femenina remite a la armonía y a la paz, que en este momento tanto estamos necesitando. 

También se destacó la instalación lumínica del artista danés Olafur Eliasson que consitía en focos de colores, dirigidos a una pared blanca. Se dispusieron en línea en el suelo: una luz verde colocada junto a otra luz verde, seguida de una luz magenta, una luz naranja y una luz azul. Estos colores se combinan para iluminar la pared con una luz blanca brillante. Cuando el visitante ingresa al espacio, la sombra proyectada, al bloquear cada luz de color desde un ángulo ligeramente diferente, aparece en la pared como una serie de siluetas de diferentes colores.  

Frescura latinoamericana

Por otro lado, con la intención de continuar explorando formas de colaboración entre artistas y galerías se incorpora la sección Nunca lo mismo. Arte Latinoamericano, formada por una selección de 9 artistas latinoamericanos de 8 galerías internacionales que, comisariada por Mariano Mayer y Manuela Moscoso, contribuirá a reforzar el posicionamiento latinoamericano de la feria a través de galerías de diferentes países. Una oportunidad para profundizar en la obra de artistas como Rodrigo Arteaga – AFA Galería; Sol Calero -Chert Lüdde-; Jonathas de Andrade -Continua-; Alberto Casari y Santiago Yahuarcani –Crisis-; Santiago García Sáenz –Hache-; Mauricio Poblete –Pasto-; Jimena Croceri-Piedras Galería-, y Eduardo Navarro – Proyectos Ultravioleta.

Se destacaron. La obra de Wynnie Mynerva en la sección Opening, su mural imponente en la apertura de la sección joven hablando de las corporalidades y que generó mucha polémica entre la prensa y crítica local española

La obra de La Chola de PASTO, es una artista multidisciplinar que realiza performances, foto-performances, video-arte, fotografía, pintura, dibujo y objetos. Su trabajo aborda los dilemas de su herencia mestiza, se vuelven visibles las tensiones inherentes a la población indígena, donde conviven la explotación laboral, la marginación social, pero también su exotización estética y su circulación comercial.

La propuesta de Rodrigo Arteaga artista chileno en la galería AFA, sus piezas parten de la pregunta acerca de la relación entre naturaleza y cultura; particularmente relaciones complejas de extractivismo, de excesiva industrialización de la naturaleza como en el caso de los monocultivos de vinos y eucaliptos. Quemo siluetas de estas especies manualmente y se llenan de un vacío que las conectan con los incendios forestales, con el impacto que generamos también en los ecosistemas.

Marta Palau en waldengally. La artista es una pionera en reinventar la escultura a través de sus textiles y desarrollar un lenguaje propio, inspirado en la estética nómada de los pueblos de Baja California que la llevó a experimentar con diversos materiales orgánicos. Fue una de las primeras mujeres escultoras en México que se abrieron paso en el medio gracias a su innovación y talento, además de ser pionera al explorar en su trabajo lo femenino desde lo femenino.

Premios y adquisiciones

La galería Rolf recibió el premio Lexus a mejor stand y waldengallery recibió el premioal mejor proyecto de artista por la participación de Marta Palau. 

El Museo Reina Sofía refuerza su Colección con compras de nuevas obras procedentes de galerías participantes en la Feria. Una selección de 16 obras de 15 artistas: Miguel Benlloch; Antoni Campañà; Patricia Esquivias; Eva Fàbregas; Patricia Gómez y María Jesús González, Federico Guzmán; Agustín Ibarrola; Concha Jerez; Antoni Miralda. A estos se suman otros creadores extranjeros como María Thereza Alves; Marwa Arsanios; Cecilia Bengolea; Cian Dayrit; Santiago Yahuarcani, que pasan a formar parte de los fondos del Museo. El valor total de las adquisiciones asciende aproximadamente a 370.000 euros.

También TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary ha adquirido obra de Kader Attia -mor Charpentier-; Jacobo Castellano, Regina de Miguel –Maisterravalbuena-; Miler Lagos -Max Estrella-; Xie Lei -Marta Cervera-; Eduardo Navarro -Proyectos Ultravioleta-; Tomás Saraceno –neugerriemschneider-, y Teresa Sola -Travesía Cuatro-.

No todo es ARCOMADRID 

La semana del arte de Madrid implica una agenda maratónica de actividades artísticas ya que casi el 90% del mercado de arte español concentra sus transacciones en estos espacios de comercialización. Con una lluvia invernal, pasada la inauguración en Ifema, al día siguiente en el centro de Madrid abrieron distintas propuestas. Entre las que se destacan UVNT ART en el Colegio de Arquitectos con su cruce disciplinarios como el diseño, la arquitectura y una fuerte impronta de Street art. JustMad, dirigido por Semíramis González dedicada a temas sociales como los derechos de la mujer, la sustentabilidad y con una presencia internacional en esta 13era edición. Por último, Drawing Room dedicada al dibujo. 

Masterclass sobre Mercado de Arte y herramientas para la internacionalización

Tuve el honor de participar en la Misión Comercial integrada por el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto de la República Argentina, el Consulado General y Centro de Promoción de Argentina en Miami, conjuntamente con Arte al Día Internacional y la Feria Pinta.

Con el objetivo de fomentar la apertura comercial y artística del país a nivel internacional se realizó una convocatoria, dirigida exclusivamente a artistas emergentes argentinos, residentes en la Argentina, para participar de un Masterclass sobre Mercado de Arte y postularse para formar parte de una Muestra Colectiva Virtual. La Convocatoria tuvo una muy buena respuesta por parte de la comunidad artística local, con más de 180 inscriptos que manifestaron su interés por capacitarse y adquirir herramientas para formarse y perfilarse hacia el mercado internacional.  

La masterclass fue diseñada para compartir herramientas que a artistas emergentes y de generación intermedia les permita ampliar las posibilidades de circulación de su obra de arte.

Constelaciones cordobesas en el arteBA 2021 para AYMAG

Arteba, la feria de arte contemporáneo radicada en Buenos Aires abrió sus puertas en una nueva sede en el barrio de La Boca para celebrar sus 30 años. En su formato presencial, la propuesta se desarrolló en torno a dos grandes ejes. Por un lado, los pabellones de galerías y proyectos artísticos en Arenas Studios. En paralelo, la programación artística: conciertos, presentaciones de libros, intervenciones artísticas, performances que se llevaron adelante en diferentes espacios públicos colindantes al predio principal. El buen clima, el carácter local de esta edición, las ventas tímidas pero contundentes, los abrazos fraternos y el encuentro con colegas del sector marcaron la agenda del retorno a la presencialidad post COVID.

Laura Batkis, historiadora, curadora y crítica de arte resalta en esta edición la renovación generacional de artistas y galerías, un aire fresco llegó y se ve con la mayor participación de proyectos de las provincias. En términos estilísticos, hay un nuevo viraje al expresionismo, la figuración y un gran retorno de la pintura no solo en el sector Factor (el joven) sino en toda la feria.

Artistas: diversos y dispersos.

De los casi 300 artistas participantes de la feria, representados en 59 galerías y proyectos artísticos, casi un 20% son de distintas provincias, un dato significativo en la historia de arteba. Participaron proyectos de Mendonza, Rosario, Tucumán, Rosario, interior de la Provincia de Buenos Aires y Córdoba. Diversos referentes del campo artístico cordobeses dijeron presente, distribuidos entre galerías y proyectos artísticos. Martín Carrizo en PASTO, galería en ascenso radicada en la ciudad de Buenos Aires y dirigida por Cesar Abelenda (oriundo de Corrientes); El Pelele, un artista/personaje, que se autodefine como una entidad fantasmagórica que traspasa dimensiones. Su trabajo amalgama diferentes lenguajes que, discursivamente, irrumpen en un universo de espejos y dioses en diálogo continuo entre la vida online y offline; es representado por la Galería Sendros con un conjunto de piezas que se destacaron en Arenas 1- sección principal de la feria-. Samanta Ferro, con la exposición ¿Para qué sirven las espinas? en galería Acéfala; Damián Linossi expuso en La Intemperie, proyecto autogestivo coordinado por Constanza Chiappini en la sección emergente llamada Factor Studio; Soledad Sánchez Goldar representada por LAARTE- proyecto autogestionado de Salta- resultó ser la ganadora del Premio En Obra organizado por los coleccionistas Joaquín Rodríguez y Abel Guaglianone por su trayectoria como gestora y artista. También, dentro de Factor Studio se destaca la labor del artista, gestor y curador Joaquín Barrera quien forma parte del proyecto El Mirador, destacado con el Premio arteba 30 años por su programa de artistas, diseño expositivo y staff de artistas.

Galerías

De modo físico, participaron dos galerías cordobesas: Fundación El Gran Vidrio (EGV) y The White Logde. Romy Castiñeira, artista y directora del EGV destacó el carácter presencial de esta edición: la posibilidad de poder reunirnos nuevamente con clientes, artistas y colegas con quienes alguna vez hicimos un proyecto en conjunto nos llena de alegría. El stand del EGV situado en Arenas 2, en la sección XX contó con obras de Alan Martín Segal, Carla Barbero, Roberto Jacoby, Marisol San Jorge, Lucas Di Pascuale, Rocío Moreno, Guillermo Daghero, Romy Castiñeira. Paralelamente Verónica Meloni participó del Programa de performance.

Por su parte, en TWL expuso Realidades Posibles, que incluye trabajos de Elian Chali, Pablo Peisino, Manuel Coll y Gerardo Oberto. Los cuatro artistas presentan series nuevas que surgen a partir de la cuarentena, las cuales reflexionan sobre el encierro y el trabajo del artista en el contexto de pandemia. En el marco del programa de Adquisiciones, se concretó la compra de parte del Gobierno de la Provincia de Córdoba de la instalación de siete obras de Elian Chali y dos de Pablo Peisino.

Coleccionistas

Los coleccionistas cordobeses desde los modernos a los más contemporáneos participaron activamente de la feria. Se calcula que hicieron una inversión aproximada de unos U$S23.000 en diferentes adquisiciones de artistas emergentes y consagrados.   

Para ver la nota en la web de AYMAG has click aquí

Pepe, fletero y coleccionista

Para La Voz del Interior

Quienes formamos parte del pequeño mundo del arte, tenemos a mano el teléfono de Pepe – José Mascarello-, un transportista que siempre se hace el tiempo para llevar adelante el traslado de obras de arte con mucho cuidado y a buen precio.

Pepe además de ser fletero, a lo largo de toda su vida ha intercambiado con artistas sus viajes por obras que forman parte de su colección. En la actualidad, cuenta con un acervo de setenta piezas aproximadamente. Lleva casi 30 años con el oficio de transportista y su hijo mayor, Facundo está siguiendo sus pasos.

La primera pieza como iniciadora

En agosto de 1990, José comenzó a dedicarse al traslado de todo tipo de objetos. En una oportunidad, la escultora cordobesa Susana Lescano lo convocó para un flete y a partir de allí empezó a vincularse con galeristas y artistas cordobeses, que más tarde fueron rosarinos y porteños. Lescano, aclara con entusiasmo que Pepe no es un fletero común… ¡Es un personaje! Siempre está dispuesto a embalar, a cargar, a descargar. Él participa activamente de la producción de una exposición aún en los momentos más caóticos, con tranquilidad ayuda en lo que hacía falta. Finalmente, Susana afirma se hizo un gran compañero en mi profesión, porque siempre esta disponible y predispuesto.  

Años después, en 1995 a Pepe le tocó hacer un flete para Raúl Teppa – artista expresionista abstracto de los ochenta – al momento de pagarle Teppa le abona sus correspondientes honorarios y le regala una de sus obras. Pepe recuerda con claridad de que el artista le dijo: toma, esta obra es para vos por tanto tiempo que venimos trabajando juntos. Pero, entre risas Raúl le advierte: ¡Pepe ni se te ocurra venderla! Y así fue cómo durante casi 30 años Pepe fue recibiendo regalos por su trato tan cuidado o trocando viajes por obras.

Los artistas del tesoro de ofrendas recibidas

Pepe define la colección como su pequeño tesoro, detalla con pasión la manera en que: de a poco cada integrante de la familia se ha ido entusiasmando con la llegada de una nueva obra, aportan alternativas sobre la ubicación en la casa, entre otras tantas observaciones. Por otro lado, en más de una ocasión Mascarello cuenta que han intentando comprarle alguna de sus piezas y en que en todas aquellas circunstancias rechazó la oferta: es que se trata de obras únicas, su valor es incalculable, sostiene.

Algunos de los nombres que integran acervo se destacan: Carlos Alonso, Gabriela Alejandra Bárcena, Luis Bernardi, José Benito, Nancy Cabanillas, Elian Chali, Mariano Cuestas, Sara Fernández, María Gracia Finocchietti, Claudio Gomez, Susana Lescano, Eduardo Livadioti, Leonardo Herrera, Juan Longini, Roger Mantegani, Natalia Mónaco, Claudia Perrotta, Tulio Romano, Pablo Scheibengraf, Raúl Teppa, Jorge Torres y Luis Wells, entre otros.

Al ver las piezas en su conjunto la nota curatorial de la ofrenda recibida aparece y se transforma en la visualidad matérica de la forma que trepa por las paredes de la casa de su dueño. Es posible destacar un universo común: la predominancia de la abstracción geométrica, las acuarelas y el lenguaje figurativo. Hay una geolocalización en el aire y es que Córdoba está presente con su tonada, sus paisajes y figuraciones.   

Puerta abierta y viajes interespaciales

Dice el historiador de arte francés Didi – Huberman: Siempre, ante la imagen, estamos ante el tiempo. Como el pobre ignorante del relato de Kafka, estamos ante la imagen como ante la ley: como ante el marco de una puerta abierta (2015:31). Entonces, mirar una obra de arte, contemplarla y vivir con ella en la cotidianeidad del hogar es tal vez una puerta que se abre hacia una experiencia artística nueva. Quizás, adquirir piezas de arte y así conformar una colección ha dejado de ser una práctica exclusiva de un sector minoritario de la sociedad, sino también de quienes pueden identificar en el arte algo que los conmueve.

En este sentido, la socióloga argentina Mariana Cerviño – investigadora y especialista del tema- señala que diversas circunstancias alimentan la emergencia de un nuevo coleccionismo, cuyos inicios suelen situarse en los años ´90. Provenientes de sectores medios y medios altos, una de las características salientes de este grupo es que en genera no dispone de grandes sumas (2007: 192). De esta manera, el nuevo coleccionismo podría abrir caminos hacia personas como Pepe que aprecian la obra de arte, desea que sea parte de su vida y cuentan con recursos para invertir en ella. A diferencia de la nueva moda de los multimillonarios más poderosos del mundo que invierten su dinero en viajes espaciales. Como por ejemplo el caso de Jeff Bezos, dueño de Amazon, que junto a otros tres turistas, estuvieron orbitando once minutos en el espacio exterior. O la ocurrencia el británico Richard Branson, que hizo lo propio con un vuelo privado interespacial relámpago. Ya no se trata sólo de lujosas y fastuosas inversiones de dinero en artistas famosos sino, porque no, de sensibilidad y un presupuesto – que en el caso de Pepe con mucha habilidad se trata de trueque – ajustado a las posibilidades de cada quien.

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